Aborder le sujet de la mort dans une pièce de théâtre est un pari risqué et encore plus quand il s’agit de parler de la fin de vie d’un enfant de 10 ans.
Mais avec Oscar et la dame Rose, Éric-Emmanuel Schmitt avait réussi à émouvoir le public avec cette histoire terrible tout en laissant une grande part d’espoir.
Plus de dix ans après l’adaptation de son roman sur les planches, c’est Judith Magre qui reprend le rôle de la conteuse. Du haut de ses 88 printemps, la comédienne – qu’on ne présente plus tant son parcours théâtral et cinématographique parle pour elle – donne corps et âme à cette Mamie Rose, qui sert de dernière confidente à Oscar, atteint d’une leucémie et sur le point de mourir.
Dans son monologue, où elle fait à la fois parler le jeune garçon et cette fameuse mamie, elle parvient à accrocher le spectateur par sa présence scénique et sa voix si singulière. Elle raconte avec beaucoup de justesse le texte de l’auteur. On ne s’ennuie pas avec elle. Moments de rire quand elle se met à la place du jeune garçon, qui, s’adressant tantôt à Dieu tantôt à Dame Rose, parle de son coup de cœur pour sa voisine de chambre d’hôpital, Peggy Blue. Ou quand il explique d’où viennent les surnoms des autres pensionnaires de l’hôpital pour enfants. Moments de rire également quand Judith Magre se glisse dans la peau Mamie Rose qui raconte qu’elle est une ancienne catcheuse et qui se confie sur les nombreuses adversaires aux noms improbables et à qui elle a eu à faire dans sa longue carrière sur le ring.
Mais aussi moments de tristesse et d’émotion quand il s’agit de parler de la mort, de la maladie et de comment accepter tout cela…
La profondeur que la comédienne donne aux personnages de cette histoire est inimitable. Elle nous fait aimer ce jeune Oscar, dont on écoute les confessions et les prières quotidiennes alors que ses jours sont comptés. Elle nous donne envie de connaître cette Mamie Rose que l’on aimerait nous aussi avoir pour confidente tant elle redonne de l’espoir là où il semblait perdu.
Pour comprendre, le mieux est de se rendre au Théâtre Rive Gauche et de venir voir et écouter Judith Magre, cette grande dame qui, il est certain, vous fera passer un excellent moment de théâtre.
Roses, pâquerettes, digitales, dahlias, camélias, tulipes, marguerites… Il fleure bon entendre conter à nouveau François Morel avec ce texte original et de sa composition. Hyacinthe et Roseoffre un moment délicat, une parenthèse enchantée en fin de journée au Théâtre de l’Atelier, qu’il ne faut surtout pas manquer.
Besoin d’un shoot de verdure ? Envie de renouer avec le souvenir de votre enfance et de vos grands-parents ? Papi Hyacynthe et mamie Rose ne peuvent que vous touchés. La preuve, nous n’avons pas résisté à verser une petite larme tant le texte touche, amuse. Une jolie poésie se dégage de ce duo que tout oppose.
Hyacynthe & Rose est en fait le récit d’un des neuf petits-enfants de ces deux petits vieux qui ne semblent réellement unis que par l’entremise des fleurs. A la première personne, ce garçon revient sur ses tendres années marquées par la présence de ces deux caractères et ses étés passés en leur compagnie.
Tendre, cocasse, sensible, ce récit à une voix nous saisit à la volée, sans aucun effort de notre part, pour ne plus nous lâcher. Récit à un comédien mais avec une mise en musique, la création d’Antoine Sahler – qui semble n’avoir aucune limite pour la maitrise des instruments : piano, trompette, ukulélé, piano d’enfant…
Ce n’est donc plus tout à fait une lecture, même si le texte est bien posé sur la table devant laquelle le comédien prend place. Le ciel qui évolue en fond de scène et en fonction du temps, le gazon synthétique, participent à créer un cadre propice à l’envolée, à la remontée des souvenirs de ce jeune garçon et aux nôtres.
Cousins Fabrice et Jean-Pierre, cousine Cécile, la chatte Estafette, Tata Noémie, Diane la trottinette sont autant de personnages qui agrémentent ce conte joyeux sans oublier l’incroyable logorrhée de ce prêtre à l’exceptionnelle endurance. Jeux d’enfants, et clafoutis aux cerises font remonter en chacun de nous l’insouciance de nos jeunes années.
Hyacinthe et Rose
de François Morel
avec François Morel et Antoine Sahler
Du mardi au samedi à 19h00
Matinée le samedi à 17h00
Attention : samedi 10 octobre représentation à 16h00 uniquement
BON PLAN ! OFFRE SPÉCIALE “RENTRÉE A L’ATELIER“: Jusqu’au 18 octobre prochain, bénéficiez d’un tarif préférentiel (16,€10 la place) en réservant vos places PAR TÉLÉPHONE AU 01 46 06 49 24 et en mentionnant le code promotionnel “LAETITIA”.
Cette offre est valable sur toutes les pièces actuellement à l’affiche à l’Atelier, dans la limite des places et des catégories disponibles.
“C’est un drôle de bonhomme, mais ne le détruisez pas. Il est fragile” Philippe Labro
Pièce touchante dont les valeurs nous questionnent sans détour sur nous-même, Victor signe le retour de trois grands noms sur scène : Cantona, Gadebois et Silhol sous la direction pointue de Rachida Brakni. Remontons le temps au Théâtre Hébertot et partons pour l’année 1948.
On peut se méprendre, ne connaissant pas l’histoire de l’auteur français Henri Bernstein. Et penser ainsi assister à la pleine performance et à l’omniprésence d’Eric Cantona sur scène.
Il n’en est rien. C’est bien Grégory Gadebois et le personnage qu’il incarne qui portent le récit.
Photo Lot
Victor qui s’est retrouvé à l’ombre à la place de son ami de bataillon, reprend goût au grand air à sa sortie de prison. Il attend une femme, l’épouse de ce dernier pour qui il a sacrifié volontairement 11 mois de sa vie. Honneur, fraternité, fidélité et morale sont quelques-unes des valeurs abordées par la pièce et qui nous interrogent sur notre propre capacité à accepter, à se sacrifier pour un autre, à notre époque. Le télescopage des temporalités est troublant.
Mais c’est sans aucune lourdeur, ni long exposé que ces questions sont abordées dans cette histoire d’une passion.
Les montagnes russes sentimentales surprennent. Les issues ne sont forcément pas celles que l’on envisageait. Et c’est ce qui rend ce récit prenant et rythmé.
La sincérité de Victor touche au plus haut point. Grégory Gadebois est une nouvelle fois exceptionnel tour à tour timide, sincère et audacieux. Face à lui, Marc, un mari autoritaire malin et lucide porté par un Eric Cantona qui fait rire par l’aplomb de son personnage tout en effrayant par son intransigeance. Caroline Silhol affiche sur scène plusieurs visages : de la passion à l’abattement, en passant par la sérénité, avec une rare élégance.
Jouant sur différents registres, la pièce est trompeuse. L’on croit s’ennuyer dans les premières minutes tant le récit semble à mille lieux de nos considérations. Quand l’envie de rire nous saisit, il nous semble déplacer de se laisser aller. Et pourtant progressivement, la pièce se révèle, charme et touche tout à la fois.
VICTOR de Henri Bernstein
mise en scène : Rachida Brakni
avec : Caroline Silhol, Eric Cantona, Grégory Gadebois, Serge Biavan et Marion Malenfant
Depuis le 4 septembre, une création originale et made in France s’affiche fièrement sur la façade des Folies Bergère. Gospel sur la Colline est l’autre comédie musicale événement de la rentrée. Un spectacle qui ne doit être en aucun cas éclipsé par le mastodonte Cats à Mogador. La preuve !
Nous avons assisté au show une semaine après sa première. Nous vous dévoilons les cinq très bonnes raisons de partir en Louisiane, en 1954, pour rencontrer cette communauté composée du révérend Gédéon, de Sarah, Rebecca, John, Rosa l’Amour et Suzy jusqu’au 18 octobre.
Ilan Evans
Des chansons 100% originales Gospel sur la Colline n’est pas Sister Act (le film), c’est à dire une compilation d’airs célèbres et de chansons que tout le monde pourraient fredonner en choeur comme I Follow Him ou Hail Holy Queen (Salve Regina). Benjamin Faleyras, son créateur, a conçu histoire et chansons (une vingtaine) avec autant d’exigence et de talent qu’un spectacle de Broadway ou de Londres. Et le rythme tient en haleine de bout en bout des scènes : de l’église à la salle de cabaret l’Alcazar, en passant par les plantations de James Turner. Les différents registres de cette comédie musicale assurent aussi bien des moments drôles que des séquences émouvantes et prégnantes.
Myra Maud
Une troupe de talents Danse, chant, jeu, musique. En tout 44 artistes sur scène. Ce n’est pas un petit show qu’il nous est donné à voir. Cette production a les moyens de son succès, le tout mis en scène par Jean-Luc Moreau et chorégraphié par Glyslein Lefever. Deux nouvelles assurances que ce spectacle est prêt à séduire le plus grand nombre de spectateurs-trices.
Ce jeudi soir, le metteur en scène s’est même autorisé à monter sur scène, lors du salut, pour dire combien la troupe l’avait enthousiasmé. Son émotion était bien visible de tous les spectateurs dans la salle.
L’humour de Firmine Richard
Rebecca est un rôle taillé sur mesure pour la célèbre actrice de Huit Femmes (François Ozon), Firmine Richard, qui campe une mère de famille au caractère bien trempé. Une femme qui s’engage toute entière pour le bonheur de ses deux fils : John, qui rêve de chanter et Jérémy qui n’a qu’un souhait, se marier.
Les costumes et chapeaux colorés font de son personnage un vrai électron libre, cocasse et amusant qui ponctue le récit.
Ses prises de bec avec Sarah, l’autre mère de famille de l’histoire, sont poilants.
Jean-Luc Guizonne
John et Rosa l’Amour Toute histoire réussie a en son coeur une belle intrigue amoureuse. Et le duo formé par John (Jean-Luc Guizonne) et Rosa l’Amour (Myra Maud) est suffisamment glamour pour émoustiller les âmes romantiques. Tout y est, l’amour naissant, l’impossibilité de mener l’amour à son terme et le dénouement que nous vous laisserons découvrir. Les tenues rouges vif de la chanteuse Rosa de retour en sa terre natale jouent un duo fiévreux avec l’ensemble veste, débardeur et bretelles de John.
Carla Estarque
Les jambes de Suzy Une femme, et donc aussi une artiste ne doit pas être réduite à sa seule plastique. Mais force est de constater que la tenue de scène de Suzy met en valeur ce qui ne peut échapper à aucun regard : les jambes de Carla Estarque qui interprète le rôle de cette fille de joie. Les jambes ne sont pas son seul atout bien sûr, puisque ses séquences dansées et chantées sont assurées avec brio. Une révélation !
et en tournée en France à partir du 4 novembre 2015
Création de Benjamin Faleyras
mise en scène : Jean-Luc Moreau, assisté d’Anne Poirier-Busson
direction musicale : Patrice Peyrieras
chorégraphie : Glyslein Lefever
Avec : Ilan Evans, Dominique Magloire, Firmine Richard, Jean-Luc Guizonne, Myra Maud, Marc Thomas, Jean-Michel Vaubien, Manu Vince, Philippe Vauvillé, Carla Estarque, Olivier Constantin…
l’album de la comédie musicale édité par Cristal est disponible aux Folies Bergère et chez votre disquaire
CONCOURS !
Comme on aime les rentrées qui chantent et dansent, nous vous invitons donc à découvrir Gospel sur la Colline le mercredi 23 septembre à 20h aux Folies Bergère, Paris.
Pour cela, rien de plus simple, remplissez le formulaire ci-dessous avant le 20 septembre 23h59. Et N’hésitez pas à nous laisser un commentaire sympathique (on aime beaucoup ça !)
Les gagnant(e)s seront tiré(e)s au sort parmi les inscrits. Ils recevront un mail leur confirmant leur lot : 2 places en 1ère catégorie pour la représentation du 23 septembre !
CONCOURS terminé !
Bravo à Isabelle, Mélanie, Alexandre, Sandra et Valérie
Le Théâtre Mogador fait le pari d’une comédie musicale 100% made in UK pour sa rentrée avec : Cats, le musical. Le but : régaler aussi bien les amoureux de chantons, de Barbara Streisand que les passionnés d’envolées vocales et acrobatiques. Tout en convertissant enfin celles et ceux qui n’auraient pas encore cédé à l’appel des musicals !
Visite exclusive des coulisses.
Forcément vous connaissez cet air célèbre, Memory, dont le succès a été intensifié par l’interprétation de Barbara Streisand – souvenez-vous sa manière si particulière de tenir son casque audio dans le clip so 80’s. Depuis, le spectacle a fait un tour du monde spectaculaire en se produisant dans 300 villes et accueillant 73 millions de spectateurs.
Repris depuis 2014 à Londres, Cats fait le plein d’aficionados, comblant toutes les générations dans une mise en scène contemporaine et des levées plus acrobatiques que ce que les tout premiers spectateurs ont pu voir lors de la création en 1981. En bonus, deux nouvelles chansons ont été composées et deux nouveaux décors ont fait leur entrée sur scène.
Après une première saison à succès, la nouvelle production de ce show sera de retour à l’affiche au London Palladium courant octobre avec la chanteuse Beverley Knight.
Mais à partir du 1er octobre, c’est au tour du public parisien d’avoir droit à une version française pour 90 représentations exceptionnelles. Si le succès est au rendez-vous, il est fort à parier que le show se poursuivra au-delà.
Et la production s’est donné les moyens de faire de cette version made in Paris un succès. Basé sur le concept original qui a été créé dans un studio de télévision, le décor envahit la salle.
L’orchestre retrouve sa place initiale derrière le décor. Un vrai avantage tant musical qu’humain : les musiciens font ainsi partie de la troupe créant une cohésion supplémentaire entre tous les artistes.
Même si le public retrouvera les éléments principaux sur scène, comme la voiture et l’engrenage à l’échelle des yeux de chats, les éléments de décors qui entourent le plateau sont uniques pour cette production française. Les décorateurs se prennent un malin plaisir à dégoter de nouveaux accessoires, à les façonner et les vieillir pour leur donner une patine spécifique et finalement les intégrer à la scène pour créer un univers unique.
Nous connaissons déjà l’identité de celle qui reprendra le rôle de Grizabelle. Il s’agit de Prisca Démarrez – que nous avions découverte dans Avenue Q à Bobino en 2012. Son filet de voix n’a rien à envier aux précédentes interprètes de ce rôle mythique. Elle tient la note à merveille. Reste à connaitre sa silhouette féline une fois qu’elle aura revêtu son costume de scène.
Pour celles et ceux qui ont besoin d’une initiation à la comédie musicale, ce spectacle est incontestablement celui qui comblera toutes leurs attentes. En plus de la qualité vocale, les interprètes vont surprendre aussi par leur aisance à se mettre dans la peau d’un chat.
Répétition de la troupe française à Mogador
D’ailleurs, les castings ont été plus longs et plus sélectifs que pour la dernière production de Stage Entertainment, le Bal des Vampires. Les artistes doivent faire preuve d’une maitrise totale du chant et de la danse.
Lors de la conférence de lancement à Mogador, nous avons été bluffés par les regards perçants de la troupe anglaise, venue tout spécialement pour l’occasion.
Et si vous avez un doute sur ce point, sachez que chaque acteur du spectacle est le garant de son apparence.
Avec les mains expertes de Karen Bryan-Dawson, conceptrice officielle des maquillages de Cats depuis 1989, chaque artiste apprend les gestes permettant de reproduire son maquillage. Karen réalise la moitié du maquillage et les artistes créer la symétrie. Car chaque matou à son un maquillage spécifique.
Des heures d’entrainement pour arriver à un résultat parfait : le nombre d’artistes ne permettant pas de solliciter une maquilleuse par artiste.
Quand on sait que certains interprètes ont entre 4 et 5 rôles de remplacements en plus de leur rôle principal…. C’est un vrai sacerdoce d’apprendre et de maitriser autant de créations originales.
A voir les vidéos des sessions de maquillage, l’engagement de ces artistes est suffisamment exceptionnel pour l’applaudir à tout rompre chaque soir. Vous ne trouvez pas ?
Nouveauté ! La visite des coulisses n’est plus réservée qu’à un petit cercle de privilégiés ou à la presse. Le public pourra, en réservant son billet, ajouter un supplément de quelques euros pour avoir accès à l’arrière du décor. Peut-être y dénicherez-vous une astuce de costumière comme ce que nous avons découvert lors de notre visite. Le vaporisateur qui a un curieux mélange 50% d’eau et 50% de vodka. Pourquoi ? Parce qu’il est un parfait éliminateur d’odeurs. Idéal pour réveiller les costumes pendant l’entracte !
C’est une nouvelle Clémentine Célarié qu’il nous est donné de voir sur scène. Et la surprise est plus enthousiasmante que prévue.
Sur scène, une femme tout en nuances, aux gestes élégants et raffinés, à la démarche haut de classe nous conte cette rencontre qui va la consumer d’un feu ardent pendant quelques heures seulement.
Le récit à une seule voix offre un véritable rôle de composition à la comédienne qui ne nous avait jamais charmés autant. Elle porte le texte sans nous lâcher une minute.
On se prend à redécouvrir l’histoire que l’on avait quelque peu oubliée et qui finalement ne souffre aucunement de cet excès de romance d’un autre siècle. L’adaptation d’Eric Emmanuel-Schmitt participe aussi à rajeunir sans dénaturer le monologue.
Aux côtés de la comédienne, deux hommes silencieux jouent à la fois l’amant ténébreux et l’intendant d’hôtel et de bar. Le décor fait de voilages aurait pu paraître un brin kitsch, mais finalement offre le cadre vaporeux idéal pour cette parenthèse passionnée dans la vie d’une femme.
L’on retrouve bien sûr les rires de Clémentine dans une tonalité cette fois plus racée. Difficile aussi de l’imaginer ôtant ses gants avec autant d’élégance, une nouvelle gestuelle que l’on ne lui connaissait pas. Et que dire de ce trench qui lui va si bien ?
Les petits détails nous révèlent une Cėlarié tout autre. Et la partenaire de théâtre qui m’accompagnait ce soir-là n’a pas manqué non plus de saluer la performance.
24h de la vie d’une femme
de Stefan Sweig
avec : Clémentine Célarié, Loris Freeman, Samuel Nibaudeau
Adaptation : Eric-Emmanuel Schmitt
Mise en scène : Steve Suissa
Avec Aimons-nous les uns les autres, Anne Roumanoff repart pour un tour. L’humoriste de près de 50 ans s’adapte encore et encore, au gré de l’évolution de la société. Entre sujets légers et réflexions plus profondes, Anne Roumanoff fédère et parle au plus grand nombre.
On a déjà tout lu, tout entendu sur Anne Roumanoff. Ça fait vingt-cinq ans qu’elle fait ce métier et elle est loin de s’essouffler. Dans son nouveau spectacle, Aimons-nous les uns les autres, jusqu’au 31 décembre, à l’Alhambra, l’humoriste reprend les formules qui font sa notoriété : des personnages écrasés par l’administration, des mères de famille qui peinent à rester dans le coup, des ados complètement incultes et le fameux radio bistrot, où l’analyse politique se fait autour d’un verre de vin (ou plus). Et dans ce domaine, l’actualité l’aide beaucoup. Le taux élevé de chômage, la télévision et le spectacle lamentable de nos « élites » sont des sources presqu’intarissables de blagues et de réflexions avisées. Pour le plus grand bonheur d’un public plutôt hétéroclite.
Bienveillance et vitriol
Il faut dire que son observation de la population française est fine et bienveillante. Même quand elle se moque de la téléréalité ou de madame tout le monde, en prise à des doutes sur sa vie sexuelle ou sur l’avenir de ses économies, parties rembourser la dette grecque. Elle réveille notre côté un peu franchouillard, très critique et donneur de leçon. Les grognons lui reprocheront certainement de verser dans la facilité. C’est vrai qu’on trouve quelques lieux communs, et qu’elle confond l’accent britannique avec l’accent américain. Mais ce serait lui faire un très mauvais procès.
Ses textes sont subtils parce que derrière cette apparente simplicité et son large sourire, Anne Roumanoff sait également faire passer quelques émotions et se montrer acide. Le vitriol coule même à flot quand il s’agit de politique. Ses boucs émissaires du moment, François Hollande et le Front National, sont particulièrement éclaboussés. En 1h30, Anne Roumanoff nous a démontré que l’ordinaire peut être hilarant. Et nous voilà parés pour affronter les difficultés de la vie quotidienne.
Besoin d’une pause dans le tumulte parisien ? La troupe suisse Mummenschanz, composée de Floriana Frassetto, Raffaella Mattioli, Pietro Montandon et Philipp Egli, est de retour à Paris pour une poignée de dates au Théâtre Antoine jusqu’au 12 juillet. C’est grisant !
Fondée en 1972 à Paris, cette troupe parcourt le monde pour nous émerveiller. Elle s’est produite dans plus de 60 pays. Et le public en redemande à chaque étape de cette tournée sans fin.
La première de la reprise à Paris a eu lieu ce vendredi et c’est plutôt difficile de mettre des mots sur ce que j’ai vu tellement ça ne ressemble à rien d’autre.
Sur scène, un monde imaginaire prend forme sous nos yeux. Des créatures à base de tubes, de cartons, de pâte à modeler, de fils de fer, de papier toilette prennent vie. Les artistes nous font entrer dans leur fantaisie. Le jeu sur le noir et les lumières laisse place au rêve et à la magie.
Les rires et les applaudissements du public sont la bande sonore de ce spectacle silencieux. A se demander si ce silence n’est pas lui même un élément sonore à lui seul, au final.
C’est à la fois drôle, touchant, poétique, incroyable. L’émerveillement est total et pour tout le monde. On entend les rires des enfants dans la salle, mais également ceux des parents.
Le temps s’arrête. On est plus à Paris mais ailleurs, un endroit où nous ne sommes jamais allé et où l’on a hâte de retourner.
Ce spectacle est un véritable coup de cœur. Je ne peux que vous conseiller d’y aller. Dépêchez-vous, la troupe ne reste que très peu longtemps à Paris.
«Nous invitons les gens à nous suivre lors d’un voyage dans notre monde de fantaisies. Nous contons des histoires qui touchent leurs cœurs. » Floriana Frassetto
Richelieu, le bossu, Louis XIII, un château, des bougies, des espions, une intrigue policière prenante : plongez dans l’histoire du Dernier Bal de la Reine. Une pièce dont vous êtes partie prenante en interaction avec les acteurs et à la fin de laquelle vous devrez choisir et jugez. PROMO en fin de billet !
Ici même, nous vous parlions avec enthousiasme de notre expérience incroyable à New York avec le spectacle en immersion Sleep No more. Inspiré de cette proposition théâtrale originale, Le dernier bal de la Reine fait revivre les personnages d’Alexandre Dumas et de Paul Féval.
Un décor de cape et d’épée, des complots, des chausse-trappes qui vous englobent et vous met au coeur de l’action.
A peine le pied posé dans le domaine du Château de Denonville (dans l’Eure-et-Loir), direction les loges pour revêtir votre costume de scène et recevoir votre titre de noblesse pour la soirée. Ces messieurs peuvent être gentilshommes, homme d’église ou mousquetaires. Alors que mesdames seront apprêtées comme des grandes dames du monde, maquillées et coiffées.
Et première surprise : les costumes ne sont pas des modestes bouts de tissus pour faire illusion mais bien de vrais répliques d’habits d’époques et pèsent leur poids.
A la différence de Sleep No More à New York, où votre seul accessoire est un masque.
Et si vous êtes un peu réfractaire aux soirées costumes qui vous rappellent de mauvais souvenirs, sachez que cette étape est essentielle pour profiter pleinement de cette expérience immersive. Et puis vous vous prendrez vite au jeu, comme nous. Ne serait-ce qu’au moment de la séance photo devant le château. L’effet est imparable. Vos amis FB n’en croiront pas leurs yeux.
Photo by Bessie Baudouin
Une fois le bal anniversaire de la Reine débuté, vous plongez en quelques minutes au coeur des différentes intrigues proposées.
Si vous venez à deux ou plus, séparez-vous dès le début de l’histoire pour suivre les personnages et pour profiter des différents récits et ainsi partager après le spectacle vos impressions.
On ne vous garantit pas que vous ne soyez pas frustré par les scènes que vous risquez de manquer : les combats de mousquetaires, les assassinats ou les romances entre les personnages. Mais c’est le propre des jeux de rôles et des pièces participatives, il faut savoir faire le bon choix.
Même si certaines situations peuvent être déroutantes, comme se retrouver dans les geôles (le Fort Boyard n’a pas le monopole des cachots) ce sera toujours avec bienveillance. Ici l’expérience théâtrale et le plaisir priment sur le reste.
Photo by Bessie Baudouin
Mais sachez que VOUS êtes maîtres de votre histoire. A vous de choisir qui vous souhaitez suivre parmi la vingtaine de personnages : les conspirateurs, les amis du roi, les mousquetaires, la Reine,d’Artagnan.
Photo by Bessie Baudouin
Les choix sont difficiles. Ce qui est sûr c’est qu’en une soirée vous ne pourrez tout voir.
Mais quelques soient vos choix, les 50 scénettes réparties et jouées dans tout le château vous combleront : les tourments amoureux du commandant de la garde avec Milady de Winter, les conspirations de Richelieu, d’Artagnan intrépide voire déraisonnable, les craintes justifiées de la Reine mère, les rêves étranges et prémonitoires de Philippe de Gonzague, la bonhommie de Porthos….
Photo by Camille Treutenaere
La mise en scène est un véritable ballet. Il faut être précis pour organiser ce type pièce, faire que l’ensemble des protagonistes jouent au bon moment et au bon endroit. Toutes les scènes sont coordonnées en direct par le metteur en scène et ses assistants.
Et il faut saluer le jeu des différents comédiens, excellent de justesse et d’émotions qui nous permet de nous immiscer dans cette aventure d’un nouveau genre.
Et au dire d’un des metteurs en scène, l’expérience est aussi troublante pour les artistes qui ne sont pas habitués à jouer une telle proximité avec le public. La direction d’acteurs s’est d’ailleurs concentrée “gros plan“, comme au cinéma, pour que l’émotion soit palpable.
Photo by Camille Treutenaere
Pour les quatorze comédiens et la trentaine de techniciens, chaque soir est donc différent suivant les réactions des spectateurs. Un plus pour eux, comme pour vous.
Même si le spectacle qui se déroule dans le Château de Denonville, à 1 heure de Paris, les 3 heures de représentation valent vraiment le détour.
Des navettes sont au départ de Porte d’Orléans et un cocktail dinatoire peut être servi sur place pour faire de cette soirée un moment unique. D’autant que les téléphones portables sont interdits pour éviter tout anachronisme avec l’histoire. Bonheur !
Le Dernier Bal de la Reine
Début du spectacle à 19h30
Plus d’infos sur le calendrier des représentations sur le site du spectacle
Château de Denonville
28700 Denonville
A partir de 114€ (costume compris) PROMO jusqu’au 31 août 2015 sur Groupon
Navette depuis Paris et cocktail dinatoire (en options)
Come, Been and Gone de la Michael Clark Company, à la Grande Halle de La Villette sonne comme un bouquet final de l’expo Bowie Is… de la Philharmonie de Paris. Bigaré et pour le moins musclé, le spectacle est une incroyable ode à la maitrise du corps.
L’affiche est intrigante et la bande-annonce nous balance à toute allure des images colorées façon stroboscope. En un mot comme en cent, Come been and gone de Michael Clark nous promet du lourd. Surtout quand on connaît le goût pour l’éclectisme musical du chorégraphe britannique.
De ce côté-là, nous avons été servis, la musique de David Bowie et du Velvet Underground (mais aussi Lou Reed et Iggy Pop), avec laquelle le spectacle a été quasiment entièrement créé, retentit à fond les ballons. Les six danseurs (trois hommes ultra musclés et trois femmes aux formes voluptueuses) exécutent une performance technique parfaite. Ils oscillent entre la grâce du ballet classique et la recherche permanente de nouvelles formes d’expression de la danse contemporaine. Des pointes, des pointes et encore des pointes. Et tout autant de portées. Ce contraste avec la musique des années 70 et 80 plonge les jeunes spectateurs dans un ballet d’un genre nouveau.
Le meilleur pour la fin
Malheureusement, pour l’œil averti, il sera plus difficile de s’extasier. Michael Clark n’est pas un novice dans l’art d’accoquiner les styles et les genres artistiques. Bien au contraire, c’est un maître en la matière, voire sa marque de fabrique.
Les tableaux s’enchainent et se ressemblent un peu. Et c’est un peu dommage mais malgré les quelques longueurs, rien de bien méchant. Seul un tableau est totalement raté. Projetée sur tout le mur du fond, une vidéo géante de David Bowie chantant son titre Heroes capte totalement notre attention, au détriment de la prestation des danseurs. Ça ne dure que trois minutes. Nous n’en parlerons pas plus.
Et surtout, vient ensuite le final, véritable débauche de couleurs, de musique tonitruante et de recherche chorégraphique. Le glam’ envahit totalement la scène. Les corps, moulés dans une combinaison orange qui brille de mille feux, sautent dans tous les sens.
Après une heure d’hésitation, la musique, les mouvements, les lumières et les costumes semblent s’être accordés.
Come, Been and Gone
de Michael Clark
Jusqu’au 6 juin 2015
Mercredi, vendredi et samedi à 20h30
Jeudi à 19h30
Dans son monologue, où elle fait à la fois parler le jeune garçon et cette fameuse mamie, elle parvient à accrocher le spectateur par sa présence scénique et sa voix si singulière. Elle raconte avec beaucoup de justesse le texte de l’auteur. On ne s’ennuie pas avec elle. Moments de rire quand elle se met à la place du jeune garçon, qui, s’adressant tantôt à Dieu tantôt à Dame Rose, parle de son coup de cœur pour sa voisine de chambre d’hôpital, Peggy Blue. Ou quand il explique d’où viennent les surnoms des autres pensionnaires de l’hôpital pour enfants. Moments de rire également quand Judith Magre se glisse dans la peau Mamie Rose qui raconte qu’elle est une ancienne catcheuse et qui se confie sur les nombreuses adversaires aux noms improbables et à qui elle a eu à faire dans sa longue carrière sur le ring.
