Dans le cadre d’Un Été au Havre, l’art en grand format est à découvrir au Carré des Docks du Havre. Projection 360 degrés d’une sélection impressionnante d’œuvres du génial Vincent. Imagine Van Gogh est une expérience à vivre en famille, entre amis ou en solo, l’important est d’en prendre plein les yeux ! Une belle occasion aussi de rappeler que l’artiste autodidacte était heureux quand il peignait.
30 minutes de magie picturale
L’exposition immersive Imagine Van Gogh dure 30 minutes, mais il est possible de voir la boucle d’images autant de fois que l’on souhaite. Les détails sont riches, les associations de toiles (libérées de leur cadre) entre elles pertinentes et la bande-son suffisamment captivante pour nous extraire du monde réel. Sachant que la plupart des œuvres ne sont pas montrées en leur entier, elles sont divisées sur la série d’écrans. C’est à nous de recréer la toile. Et les projections au sol aident à se plonger dans la tonalité des œuvres.
Assis à même le sol ou déambulant entre les écrans, chacun à son approche de l’œuvre exceptionnellement gigantesque du peintre.
Plus de 200 d’œuvres peintes en France nous font face d’Arles à Saint Rémy de Provence pour finir par Auvers sur Oise.
Les deux concepteurs-réalisateurs, Annabelle Mauger et Julien Baron, n’ont pas voulu imposer de parcours, c’est à chacun-chacune d’inventer son Van Gogh, de faire sa propre expérience et de composer son œuvre, à la manière d’un voyage.
“C’est le spectacle de tout le monde !” Aucun public n’est exclu. Tous les âges peuvent apprécier, aimer, adorer, se passionner. Il n’est pas nécessaire d’avoir une connaissance des arts approfondie.
Annabelle et Julien nous ont confiés que des visiteurs déficients visuels ou auditifs venaient et ressentaient aussi des choses.
En sortant du Carré des Docks, on n’a qu’une envie : prendre le train pour retourner au Musée d’Orsay.
On peut tous se réapproprier les images fortes du peintre.
Imagine Van Gogh est hypnotique, captivant, sublime, intense.
Conseil : ne pas oublier son appareil photo pour faire des pics sensationnelles !
Andrew Hem est un touche-à-tout. Tour à tour graffeur, illustrateur, puis muraliste, l’artiste expose actuellement à la galerie Openspace. Fragmentz est un condensé de ses obsessions : ses origines thaïlandaises, des parties de rêves ou des souvenirs de voyage. Venu de Los Angeles, nous avons rencontré l’artiste lors du vernissage de son exposition.
Une palette visuelle sans limite
Andrew Hem l’avoue, son travail pour la galerie Openspace est largement inspiré par l’eau. Et on adore la façon dont il peint les ondes marines, l’écume ou la pluie. Il y a une poésie qui lui est très personnelle dans sa façon de (dé)peindre cet élément.
DrifterzBack to youTyphoon
Mais surtout, chaque toile de l’exposition est un fragment de sa mémoire.
Que ce soit son héritage familial avec les légendes thaïlandaises, ou des souvenirs plus personnels.
Mound Up
“Quand j’étais au Maroc, je me rappelle avoir vu cet homme qui a passé toute sa vie sur un tapis.”
De ce fragment de vie, Andrew Hem tire une des plus belles peintures de l’exposition : King and queen.
Les couleurs flamboyantes laissent transparaître une humanité folle.
King and Queen
Une âme dans tous les formats
“Je passe 10 à 12 heures seul dans mon studio, je ne vois personne. Alors il faut sortir dans la rue, sortir de cet isolement. Les jours passent et se ressemblent, je ne me souviens pas de toutes mes journées, mais quand ma fiancée vient peindre avec moi, je me souviens de ces jours-là. Cette exposition parle de ces fragments de mémoire.”
Et ces morceaux de souvenirs, on les retrouve aussi dans les petits formats. Et parfois, les rêves sont aussi des cauchemars.
Culver
La jeune fille de Fear ressemble à Pelisse, l’héroïne de La quête de l’oiseau du temps, dessinée par Régis Loisel. On se demande alors quand et comment l’artiste a rencontré cette femme.
FearYoonie
Et l’expression de Yoonie ne laisse pas indifférent.
Par leur impact visuel, c’est au tour des œuvres de laisser des traces dans notre mémoire et de nourrir nos propres souvenirs. Chaque toile nous transporte dans un décor singulier, une atmosphère palpitante. Il ne faut surtout pas attendre pour se laisser emporter.
Peinture murale originale chez Openspace
Fragmentz
Andrew Hem
Jusqu’au 20 juillet 2019
du mercredi au samedi de 14h à 19h
BANKSY : un mystère total, une capacité de créer l’étonnement à tout moment, des œuvres cultes à mort reproduites à l’infini. L’exposition The World of Banksy à l’Espace Lafayette-Drouot à Paris peut paraître comme un affront au génial street artiste.
Mais c’est plus un hommage et un essai de décryptage de son travail qui sont proposés au public.
Et dans le plus pur style Banksy, il est évident qu’il n’approuve pas cette exposition !
Du vrai dans un univers recomposé
Sur les trois niveaux de l’Espace Lafayette Drouot, c’est un mélange d’une cinquantaine d’œuvres originales et autant de recréations qui attendent les visiteurs.
En effet, pour retracer le parcours de Banksy dans la scène street art, ses fresques murales ont été recréées in situ par une dizaine d’autres artistes.
Il aura fallu un mois pour terminer la scénographie de l’exposition. Et au final, tous ont choisi de rester anonyme.
Gril with Balloon
Le visiteur pénètre dans cet espace sans aucune information sur ces reconstitutions, même sur les cartels. Et c’est un peu déstabilisant au premier abord.
Puis on accepte le concept. Au final, on reste un peu dans la pensée de Banksy : quel est le vrai dans le faux ?
L’art de Banksy, plus en détails
Après Star Wars les fans contre-attaquent et sous l’impulsion de Hazis Vardar, l’Espace Lafayette Drouot s’impose donc comme un lieu d’expositions de passionnés.
Ici, ce sont plusieurs collectionneurs qui exposent leurs œuvres de Banksy.
Côté originaux, les incontournables sont là : Love rat, Kissing Coppers, le Flower Thrower…
Flower ThrowerLove Rat
Et bien évidement, on découvre aussi beaucoup d’autres toiles, comme Bombing Middle England ou Barcode Leopard.
Bombing Middle EnglandBarcode Leopard
Beaucoup de ces toiles ont d’abord été graffées sur des murs par le cultissime Banksy.
Alors avec les recréations de ces œuvres murales, l’expo permet de faire un tour du monde de l’art du gentleman painter.
Elles sont regroupées par lieu : Paris, Angleterre, États-Unis, Bethléem…
Des panneaux retracent le contexte de réalisation, les engagements de l’artiste. La plus grande salle est dédiée à son travail en Grande-Bretagne. Normal, il serait originaire de Bristol. Son pays natal concentre d’ailleurs 80 % de sa production.
Et comme certaines créations ont été pillées, exemple avec Bataclan en hommage aux victimes parisiennes, c’est l’occasion de les admirer à nouveau en grand format.
Bataclan
C’est aussi assez impressionnant de se retrouver face à une reproduction du mur séparant Israël et la Palestine : un des grands terrains de jeu de Banksy.
Et même s’il n’est pas à l’échelle (le vrai mur fait 9 mètres de haut), on peut imaginer l’émotion de voir ces créations uniques en vrai.
Cette exposition peut déconcerter certains visiteurs, mais on embrasse en une fois toute la carrière du street artiste.
Le dernier mot pour Banksy : “Le Saint Graal, c’est passer moins de temps à créer une image qu’il ne faut de temps aux gens pour la regarder.”
Qu’il est bon de stimuler un esprit créatif déjà foisonnant ! Afin de célébrer les trente ans de la Pyramide, le Musée du Louvre a laissé libre cours à Jean-Michel Othoniel pour une création originale : La Rose du Louvre.
Outre l’attrait artistique de cette installation composée de six peintures inédites, c’est tout le processus menant à sa création qui nous a saisis. En effet, chaque œuvre possède en elle un point de départ, une histoire et des anecdotes… C’est cette âme insufflée par l’artiste qui en donne tout le caractère, la beauté et la pérennité. Alors, prêts à partir à la rencontre de La Rose du Louvre ? 😉
Un voyage dans le temps
Lorsque Jean-Michel Othoniel évoque ses souvenirs, il se métamorphose. Son visage s’illumine, ses yeux pétillent et son sourire devient malicieux. Il évoque son enfance marquée par la nature à observer les végétaux et composer des herbiers. Mais également son job d’étudiant comme gardien au Musée du Louvre.
«Dans l’ancien musée, celui d’avant la Pyramide ! Nous changions de salles tout le temps. J’étais un piètre gardien d’ailleurs… Je passais plus de temps à observer les œuvres autour de moi plutôt que le public ! Revenir ici n’est pas sans émotion…»
Lorsque le Louvre le contacte pour les trente ans de la Pyramide, l’artiste appréhende le musée d’un œil nouveau en quête d’inspiration.
«Je me suis intéressé à la symbolique des fleurs dans la peinture. Elles transmettent des choses et amènent du sens. C’est un peu comme la 3D dans les films ! Puis elles sont populaires, universelles et peuvent même être des emblèmes comme avec la révolution des œillets ou celle du jasmin.»
Toutes ces recherches font d’ailleurs l’objet d’un recueil atypique que nous vous recommandons : «L’herbier merveilleux».
L’emplacement idéal
En déambulant à la recherche de sa muse, Jean-Michel Othoniel remarque un détail du tableau de Rubens«Le mariage de Marie de Médicis et d’Henri IV». Au pied des mariés gît une rose, délicate, subtile et furtive, tel un pinceau essuyé sur la toile.
«C’est la reine des fleurs, elle inaugure l’histoire à venir ! C’est exactement ce qu’il fallait pour le Louvre !»
S’ensuit alors la réalisation de six tableaux à l’encre sur feuilles d’or, représentant chacun une variation de cette rose de Rubens.
Quant au choix de l’endroit, la cour Puget s’est assez naturellement imposée. Effectivement, six tableaux pour les six niches vides entourées d’anciennes statues venues du Château de Versailles, représentant les différentes saisons. La Rose du Louvre ne pouvait que s’y épanouir !
Selfie original pour USofParis
En quittant le musée, j’en profite pour faire un détour par le Kiosque des Noctambules. Même artiste mais autre œuvre, autre époque, autre style et donc autre histoire. Alors, je m’arrête un instant, j’observe et j’imagine. Amusé, je me rends compte que j’arbore un petit sourire à la Jean-Michel Othoniel. 🙂
Une vague rouge vient de déferler au Grand Palais. L’art de l’après révolution de 1917 est célébré. C’est d’abord la liberté, l’incroyable foisonnement artistique qui submerge, impressionne. C’est ensuite la créativité au service du pouvoir stalinien qui révèle ses excès, ses manipulations avec la réalité et interroge notre rapport à l’image officielle.
Du foisonnement de l’exposition Rouge, nous avons extrait 4 œuvres qui révèlent la profusion de découvertes à faire dans ce parcours.
L’Ouvrier au marteau d’Ivan Chadr
Pourquoi ce buste fascine autant ? Serait-ce parce qu’Ivan Chadr y a insufflé les influences françaises qu’il aurait glanées avec Antoine Bourdelle ou dans l’atelier d’Auguste Rodin ? Car le sculpteur russe est venu se former à Paris de 1910 à 1912.
Force est de constater que le visage angulaire et creusé de cet inconnu est impressionnant de réalisme et qu’il en impose.
Bain de marins de la Flotte Rouge depuis le bord d’un navire
Scène assez incroyable que ce plongeon réalisé en 1933.
C’est la prouesse physique et le culte du corps qui sont mis en avant dans cette composition d’Alexeï Pakhomov.
On imagine la synchronicité des marins s’élançant dans les vagues. La hauteur qui pourrait freiner tant de visiteurs face à cette toile.
Maquette du Palais des Soviets, Moscou
Un projet architectural impressionnant. Une pure folie à la soviétique. Cet hommage à Lénine devait prendre place à Moscou. Finalement, sa réalisation n’aura jamais été menée à son terme. Reste cette maquette et des représentations artistiques donnant idée des proportions impressionnantes de cet édifice totalement utopique.
Dirigeable de Vassily Kouptsov
Ce n’est pas le dirigeable qui accroche l’œil mais cet incroyable vue. Les usines et leurs nombreuses cheminées, ces étoiles rouges sur les ailes des avions. La composition du ciel, ses couleurs fascinent vraiment.
Exposition ROUGE Art et utopie au pays des Soviets
au Grand Palais 3 avenue du Général Eisenhower 75008 Paris
jusqu’au 1er juillet 2019
Horaires :
lundi, jeudi, vendredi, samedi et dimanche de 10h à 20h
mercredi de 10h à 22h.
Fermeture le mardi
Picasso a traversé le XXe siècle, vécu toutes ses crises. Le Musée de l’Armée propose une exposition chronologique autour du peintre : Picasso et la guerre.
Mais aussi des ateliers dont des masterclass avec Alain Passard.
Lors de celles-ci, le chef étoilé remet au goût du jour des recettes de la seconde guerre mondiale. Des plats simples, répondant à une dure réalité : la restriction alimentaire. Nous avons assisté à la toute première rencontre gustative.
L’exposition Picasso et la guerre regroupe 330 pièces avec 1/3 d’œuvres du maitre espagnol, 1/3 d’archives et 1/3 d’objets historiques (livres, photos, articles, costumes…)
Le foisonnement de cette rétrospective est, il faut l’avouer quelque peu dense mais tout à fait instructive.
Avant de poursuivre, il nous faut marquer un arrêt devant un livre exposé, celui qui a convaincu Alain Passard de répondre à l’invitation du Musée de l’Armée : Cuisine et restrictionsd’Édouard de Pomiane.
Écrit en 1940, il avait pour but de partager toutes les astuces pour concevoir des plats avec ce que l’on trouvait en temps de guerre, en période de rudes restrictions.
“J’imagine la période très douloureuse. On devait se régaler avec des choses simples.“
Alain Passard : une générosité presque lyrique
Nous rencontrons Alain Passard dans le salon d’honneur du Musée de l’Armée.
Une copie du livre de Pomiane en main, le chef vente les vertus, comme d’autres chefs, de la cuisine de saison.
“C’est ce que nous faisons : avoir le respect des saisons, de la nature. La nature a écrit le plus beau livre de cuisine ! Avant en hiver, on se réchauffait avec une soupe de panais, une soupe de céleri et, en été, on s’hydratait avec les tomates, les melons, les courgettes. Préservons cette poésie magnifique que la nature a écrite.”
A l’évocation de la guerre, on sent le chef vraiment ému à l’évocation de ces hommes et ces femmes qui se sont battus contre l’occupant. Certainement le souvenir de son grand-père qui a reçu la croix de guerre.
Côté cuisine, ce mardi, le topinambour est à l’honneur.
“A l’époque, on disait que le topinambour n’était pas très gustatif. Mais il était destiné aux animaux. Aujourd’hui, on a recréé des variétés comme le fuseau qui a des saveurs proches de l’artichaut. ”
Aidé par son assistante Marion, nous goûtons deux variations : vinaigrette de guerre et sauce rémoulade.
Les recettes d’Édouard de Pomiane ont été revisitées. Point de fécule pour remplacer la mayonnaise dans la rémoulade. Mais toujours des produits simples comme une huile de tournesol choisie pour la neutralité de son goût.
L’apport d’Alain Passard : les herbes qui assaisonnent ce plat. Oseille sauvage (au peps acidulé), mourons des oiseaux (ce n’est que de la chlorophylle en bouche) et l’ortie (blanchie pour supprimer son côté urticant).
Et la saveur du topinambour en ressort transcendé.
Les herbes du jardin d’Alain Passard
A la sortie de cette masterclass, on est conquis par l’amour des produits que nous transmet Alain Passard. Comme par la bienveillance qu’il dégage. Et par la réelle émotion de son étreinte avec son assistante.
On regrettera simplement un accès un peu prohibitif pour ce rendez-vous si unique.
Picasso et la guerre : l’exposition
Cette masterclass est un des rendez-vous qui accompagne l’exposition.
Un parcourt qui permet de replacer l’œuvre de Picasso dans son contexte historique. Et c’est plutôt rare.
Café à Royan
Pour approfondir notre connaissance de l’artiste, cette exposition est un rouage essentiel : ses rapports avec Apollinaire ou Derain, ses tourments de création, son rapport à la guerre et aussi son engagement de toute une vie contre celle-ci.
L’enfant d’Oradour et Aragon à la commémoration du massacre d’Oradour-sur-Glane, en 1949
Aux côtés des coupures de journaux, on découvre des magnifiques œuvres. Et on en retrouve aussi des pièces connues. On se surprend encore à tomber sur des styles inconnus de Picasso comme une influence moyenâgeuse.
Massacre en Corée
Et le maître espagnol nous ébahit toujours autant par ses dessins au crayon. Il maîtrisait tous les supports et toutes les formes d’art. De vrais chefs-d’œuvre.
Soldat espagnol et autres croquisLettre à Guillaume ApollinaireAutoportrait de Pablo Picasso
Picasso et la guerre offre au visiteur une plongée dans le foisonnement créatif de l’artiste. Dense mais superbe Picasso !
Exposition Picasso et la guerre
auMusée de l’armée
Hôtel national des Invalides
129, rue de Grenelle
75007 Paris
jusqu’au 28 juillet 2019
Tous les jours de 10h à 18h, nocturne les mardis jusqu’à 21h
Fermeture les 26 & 27 avril et le 1er mai
Masterclass d’Alain Passard les mardis 14 mai, 4 juin et 2 juillet à 18h30
55€ et 45€ pour les moins de 26 ans
(billet pour l’exposition inclus, en nocturne jusque 21h)
L’Atelier des Lumières nous fait traverser les toiles de maîtres. Après Gustav Klimt, c’est au tour de Van Gogh de dévoiler les détails de ses œuvres grâce aux spectaculaires projections.
Le centre d’art numérique offre deux autres programmes : Japon rêvé, images du monde flottant et Verse de Thomas Vanz pour perdre définitivement tout contact avec la réalité.
Van Gogh, la nuit étoilée et sublimée
Chorégraphie de fleurs, ballet d’iris et de coquelicots, paysages, portraits d’inconnus, villages s’étalent sur les murs de l’Atelier des Lumières.
L’art délicat de Vincent Van Gogh se découvre sur les murs et les sols de cette ancienne fonderie parisienne reconvertie.
On chavire, parfois on s’étonne.
On se laisse bercer par la poésie, ces toiles inconnues et que l’on aimerait connaître. Et les classiques.
La nuit étoilée est audacieuse non pas en terme de montage mais par sa bande-son. Des airs d’opéra viennent tutoyer Janis Joplin. Moses Sumney ou Lil Wayne enchaînent avec de la musique classique.
La sélection musicale peut surprendre mais pas choquer. Preuve que l’œuvre de Van Gogh peut dialoguer avec nos contemporains.
Japon rêvé et magnifiquement animé
Vous viendrez très certainement pour Vincent et vous serez forcément happés comme nous par le programme court Japon rêvé, images du monde flottant.
L’Atelier des Lumières devient tour à tour forêt magique, océan, intérieurs japonais, nuit de lampions. Le montage ose animer les œuvres japonaises, ose jouer avec un mythe, la vague d’Hokusai, et s’amuse à nous donner le tournis avec une séquence psychédélique de samouraïs.
C’est sublime. Et on se laisserait bercer des heures par la sagesse du Japon.
Dans le studio, Verse, une création contemporaine de Thomas Vanz enchante avec des images cosmiques. Le travail de l’artiste sur la matière, la lumière a le don d’interroger et de subjuguer.
Conseil : prenez votre temps pour explorer l’Atelier des Lumières. Ce n’est pas un lieu que l’on visite entre deux autres activités.
Van Gogh, La nuit étoilée Japon rêvé, images du monde flottant Verse
à l’Atelier des Lumières
38, rue Saint-Maur
75011 Paris
jusqu’au 31 décembre 2019
Ouvert : 7j/7 entre 10h et 18h
Nocturnes : vendredis et samedis jusqu’à 22h
et les dimanches jusqu’à 19h
Une première à Paris, l’art décoratif des artistes Nabis est enfin célébré ! Le Musée du Luxembourg dévoile des pièces rares et un courant artistique qui semble plus discret que d’autres sur leurs cimaises des musées mais qui mérite notre pleine curiosité. L’exposition Les Nabis et le décor nous entraine dans un parcours fait de travaux de commande pour des intérieurs, des hôtels particuliers, donc à l’abri de très nombreux regards à l’époque.
Focus sur 4 œuvres incontournables qui nous ont frappé l’œil avec délicatesse et joie.
Arabesque poétique de Maurice Denis Tout d’abord, quatre grâces en contre-plongée, comme extraites d’un songe, nous interpellent. Exposées sur un mur pour une meilleure observation, elles étaient destinées à l’origine à orner le plafond d’une salle à manger particulière.
Cette toile de Maurice Denis est baptisée Arabesque poétique et aussi L’échelle dans le feuillage.
Et trouble : un modèle unique a servi pour ces quatre féminines, Marthe, la fiancée de l’artiste.
Femmes à la source de Paul Sérusier
L’illusion de mouvement de ces femmes porteuses d’eau, leur reflet, font de cette composition une œuvre hypnotique. La lumière intense du soleil qui berce la scène impose de ralentir notre visite pour admirer cette toile de Paul Sérusier.
La Légende de saint Hubert de Maurice Denis
Plusieurs panneaux composent cette légende de saint Hubert. Le plus frappant est sans doute Le Miracle. Une scène qui magnétise littéralement par le mouvement du cheval, l’imploration du saint et l’intensité lumineuse de cette apparition.
Une composition extrêmement forte sur un panneau au format imposant.
Les Canards de Paul Ranson
Ce qui frappe c’est le fait qu’un projet de papier peint soit devenu une œuvre d’art à part entière. Et qu’il s’admire désormais encadré et sous verre pour sa qualité de conservation.
Avouons que ces canards sont irrésistibles. L’idée de les adopter ne nous aurait pas déplu ! 😉
L’exposition Les Nabis et le décor regorge de belles découvertes et de grands formats qui vous transporteront dans un autre temps, celui du raffinement pictural des intérieurs français.
Exposition Les Nabis et le décor Bonnard, Vuillard, Maurice Denis
Thomas Schütte est un des rares artistes contemporains à ne pas aimer les musées ! C’est donc tout naturellement qu’il a accepté l’invitation de la Monnaie de Paris.
Nous ne connaissions pas l’artiste allemand avant de visiter l’exposition Trois Actes, sa première rétrospective parisienne. Nous sommes allés d’étonnement en étonnement tout au long du parcours qui nous conduit des cours extérieures aux cimaises de l’institution.
Pourquoi Thomas Schütte nous plait autant ?
Tout d’abord, Thomas Schütte laisse une ouverture totale d’interprétation de ses œuvres par le public. Chacun, chacune peut se donner à cœur joie pour trouver la signification d’une sculpture.
Face à Vater Staat, un journaliste demande à l’artiste pourquoi cet homme représenté n’a pas de bras. L’intéressé répond qu’il n’a pas eu le temps de les faire. On frise le génie !
Alors que notre société est en quête de sens permanent, des artistes font de la résistance en ne répondant pas aux questions.
Il y a bien sûr de l’humour dans ce personnage d’origine allemande.
Ensuite, il s’intéresse autant aux stéréotypes masculins que féminins. Les hommes sont majoritairement représentés les pieds dans la boue. Les femmes sont tantôt lascives, tantôt détruites.
Et surprise, l’homme est aussi architecte. Il a réalisé plusieurs habitats pour une seule personne. Quelle bonne idée !
Fait rare, il a aussi conçu les plans de sa propre fondation à Hombroich, près de Düsseldorf. Et quand on apprend que le toit lui a été inspiré par un Pringles : on rit et on a une folle envie de prendre la route pour découvrir le bâtiment en vrai.
Thomas Schütte a réalisé une série de pièces sculptées avec du verre de Murano. Les têtes exposées sont éclatantes et jouent divinement avec la lumière.
Enfin, l’artiste est fasciné par la mort. Sa première œuvre présentée est une pierre tombale avec une date de mort imaginaire. Il était persuadé qu’il mourrait à l’âge de 42 ans et ne passerait pas le changement de millénaire. Raté ! Il a atteint les 64 ans.
Preuve que les artistes ne sont pas toujours prophètes.
Et preuve que Schütte pratique l’autodérision. Il aurait pu faire disparaitre cette œuvre, plutôt que de la présenter à nouveau au grand public.
Beaucoup d’autres pièces ponctuent le parcours Trois Actes à la Monnaie de Paris. Il suffit de prendre le temps de les contempler.
LEVALET, vous l’avez forcément croisé dans une rue à Paris, dans une galerie ou à la Gare Saint-Lazare. Une silhouette d’homme dessinée en taille réelle improvisant en fonction du décor dans lequel il se trouve, de l’imagination folle de son créateur.
Levalet est de retour à la Galerie Openspace pour une deuxième exposition très boisée baptisée Ellipses, composée de 37 œuvres inédites. Elles sont sorties d’atelier, il y a un peu plus d’un mois.
#CONCOURS inside
Le bois matière vivante de Levalet
Levalet joue avec le bois, en le découpant, le gravant, le brûlant aussi. Son jumeau de dessin, ses doubles sortent très souvent du cadre, rebelles à tout enfermement ou contrainte. Et c’est ce qui accroche autant l’œil et l’adhésion : cet attrait pour le relief et ce jeu de perspective.
Installé près de Reims, l’artiste a gagné en surface pour son atelier et en terrain de chasse pour chiner à sa guise objets et meubles qui vont avoir les honneurs de devenir œuvre d’art exposée en galerie. Le dos d’une armoire lui a inspiré Recomposition, attiré par ses “super qualités plastiques“. Ensuite, il lui a fallu partir à la recherche de supports similaires pour la suite de la série. Un coffre a squatté 6 mois dans son atelier sans savoir quoi en faire et avant de devenir A bout de souffle et de trôner en plein milieu de la Galerie Openspace.
Le cœur de Levalet semble battre pour les horloges qui lui permettent de “bricoler des espaces scénographiques intéressants” avec leurs portes et différents espaces. Chronos est une œuvre surréaliste par excellence. Ne serait-ce pas les moustaches de Salvador Dali ? 😉
L’artiste avoue qu’il a parfois peine à modifier, détourner les supports qu’il a entre les mains : “pour une autre expo, les trois premiers livres anciens avec leur belle couverture qu’il a fallu déchirer, ont été durs à sacrifier.”
“Je pense plus à la personne qui va voir qu’à celle qui va acheter”
Levalet nous confie la veille du vernissage : “J’ai une manière de travailler protocolaire. Je débute par le concept, ensuite le travail sur le support, la photo, le dessin et le montage.” Et de rajouter : “Il y a autant de boulot sur la préparation des supports que la partie dessinée en tant que telle.”
Et n’imaginez pas que le trentenaire mène de front plusieurs créations en même temps comme d’autres artistes. Il doit finir l’oeuvre en cours pour enchainer sur une autre.
selfie original de Levalet, Nicolas Chenus, Samantha Longhi, directeur et directrice de la Galerie Openspace
Les directeur et directrice de la galerie, Samantha Longhi et Nicolas Chenus, sont en confiance totale avec Levalet. Ils n’ont pas eu à lui rendre visite à son atelier et ont découvert ses œuvres au fur et à mesure de leur production. Le couple se réjouit de sa grande productivité. Levalet préfère nuancer : “Je ne suis pas forcément rapide, mais je travaille beaucoup. ”
Chose plutôt rare en galerie : l’artiste a livré ses œuvres un mois et demi avant le vernissage. Si bien que Samantha et Nicolas ont pu éditer leur tout premier catalogue d’exposition et ainsi renouer avec les joies de la rédaction, de la mise en page…
Cette édition limitée à 300 exemplaires a un prix de lancement spécial vernissage. Foncez !
BONUS – seul indice des goûts musicaux de Levalet qu’il écoute dans son atelier : “Je suis plus tendance Fip !”
